Les 5 types de scènes d’ouverture : Une analyse de 80 films

La scène d’ouverture d’un scénario est un argument de vente pour convaincre le lecteur de rester pour le reste du script. Existe-t-il une formule pour en écrire une excellente ? Y a-t-il des éléments communs qu’ils partagent tous ? Ont-ils généralement une longueur particulière ?

Pour répondre à ces questions, j’ai regardé les scènes d’ouverture de 80 films de genres très variés. La plupart de ces films ont été acclamés par la critique. Certains ont été recommandés par des amis parce que leur première scène était particulièrement mémorable.

Ce que j’ai appris était intéressant. Bien sûr, il n’y a pas une seule formule unificatrice pour une grande scène d’ouverture, et la longueur variait beaucoup plus que ce à quoi je m’attendais, mais presque toutes les scènes d’ouverture que j’ai regardées tombaient dans l’une des cinq catégories et presque toutes les scènes d’ouverture partageaient plusieurs éléments communs.

Qu’est-ce qu’une scène ?

Avant de parler de grandes scènes d’ouverture, assurons-nous que nous sommes sur la même longueur d’onde sur ce qu’est une scène.

Une scène est la plus petite unité d’histoire1 dans un scénario. Voici quelques éléments communs souvent utilisés pour définir une scène :

  • Elle se déroule dans un seul lieu
  • Elle se déroule dans un seul bloc de temps
  • Elle représente un seul problème avec un début, un milieu et une fin qui peut se tenir seul comme sa propre mini-histoire compréhensible

Mais il existe de nombreux contre-exemples à ces définitions.

Par exemple, vous pourriez avoir une seule conversation qui commence dans un parking, se poursuit dans la voiture sur un trajet, et se résout lorsque les personnages arrivent à leur destination. Il s’agit d’un seul bloc de temps et d’un seul problème avec un début, un milieu et une fin, mais il se déroule dans plusieurs endroits.

De même, vous pourriez avoir deux conversations sans rapport qui se déroulent dans une seule pièce lors d’une fête. C’est un seul lieu et un seul bloc de temps, mais ce sont deux problèmes sans rapport avec leurs propres débuts, milieux et fins.

Enfin, vous pourriez avoir une conversation qui commence au lit, puis les personnages s’endorment, huit heures passent, et nous revenons à eux le matin quand ils se réveillent et finissent leur conversation. Il s’agit d’un seul lieu et d’un seul problème avec un début, un milieu et une fin, mais il se déroule sur deux blocs de temps.

Dans chacun de ces exemples, vous auriez besoin d’appeler ces scènes séparées dans un script à des fins de production, mais pour la narration, vous pourriez les considérer comme une seule scène. Cela devient encore plus compliqué avec les montages, dont nous verrons plus loin qu’ils sont une forme étonnamment commune de scène d’ouverture dans les films.

Au delà d’une scène, nous avons aussi quelque chose appelé une séquence. Encore une fois, cela devient boueux, mais une séquence est une unité d’histoire légèrement plus grande, composée de plusieurs scènes qui s’enchaînent continuellement pour montrer l’introduction et la résolution d’un problème avant que l’histoire ne coupe à un nouveau problème. (Notez que quand je dis « résolution », je ne veux pas dire que le problème est résolu, juste que la question que le problème a soulevée a maintenant au moins une réponse provisoire.)

Vous pourriez argumenter qu’un montage est vraiment une séquence et non une scène, ou que certains de mes exemples ci-dessus de scènes qui enfreignent les règles sont en fait des séquences. Ce n’est que de la sémantique, alors définissez ces termes de la manière la plus utile pour vous. En fin de compte, nous essayons de raconter une bonne histoire, pas de réussir un quiz pop.

Le Parrain Partie II (1974)

Pour un exemple de ce que j’appellerais une séquence, regardez le début du film Le Parrain Partie II (1974). La première scène du film est une scène très courte, presque sans paroles, dans laquelle le frère du jeune Vito est tué par un seigneur de la mafia locale pendant les funérailles de son père en Sicile. Dans la scène suivante, la mère de Vito l’amène chez Don Ciccio, le mafieux qui a tué le père et le frère de Vito, pour implorer sa clémence. Don Ciccio refuse, la mère de Vito tente de le prendre en otage, elle est tuée et Vito s’échappe.

Cette séquence entière ne dure qu’environ quatre minutes. Il s’agit de deux scènes distinctes parce que les événements se déroulent à deux endroits différents et qu’un certain temps s’est écoulé hors écran entre eux (mais peut-être seulement une heure ou plus). Mais surtout, il s’agit de deux scènes distinctes car chacune d’entre elles a son propre début, milieu et fin. La première scène commence par un cortège funèbre et se termine par le meurtre du frère de Vito par Don Ciccio. La deuxième scène commence avec la mère de Vito suppliant Don Ciccio d’avoir pitié et se termine par sa mort alors que Vito s’échappe.

Mais ensemble, ces deux scènes constituent une séquence plus large qui implique l’introduction et la résolution d’une seule question. La question est :  » Don Ciccio épargnera-t-il la vie de Vito ? « . La première scène introduit la question lorsque le frère de Vito est tué par Don Ciccio lors des funérailles de son père ; la suite répond à la question lorsque la mère de Vito supplie Don Ciccio d’avoir pitié et qu’il refuse. Le problème n’est pas résolu, mais il l’est – nous avons maintenant une réponse à la question. La réponse est non.

Vous pourriez argumenter que la section après ces deux scènes (Vito s’échappant de Corleone avec l’aide des citadins) fait partie de la même séquence, mais pour moi c’est une nouvelle séquence avec une nouvelle question qui n’a pas été introduite dans la séquence précédente. La question que pose la deuxième séquence est la suivante : « Vito réussira-t-il à échapper à Corleone ? »

Qui s’en soucie ?

Est-ce important de définir une scène ou une séquence ? D’une certaine manière, non, ça n’a aucune importance. Si vous racontez une grande histoire, cela n’a pas d’importance si le film entier est une seule scène ou cinq actes ou une centaine de séquences ou peu importe comment vous voulez le voir.

Mais il peut être utile de penser à ces choses si une partie de votre histoire semble insatisfaisante et que vous ne pouvez pas comprendre pourquoi. Vous pouvez vous demander : est-ce que cette scène a un début, un milieu et une fin ? Fait-elle partie d’une séquence plus large qui pose et répond à une question ? La fin de ma scène ou de ma séquence pose-t-elle une nouvelle question pour nous entraîner dans la scène ou la séquence suivante ? Si la réponse à l’une de ces questions est négative, cela pourrait être le problème.

C’est particulièrement important si la scène ou la séquence qui semble insatisfaisante est la toute première de votre scénario.

Types de scènes d’ouverture

Après avoir analysé les scènes d’ouverture de 80 films, j’ai constaté qu’elles entraient toutes (à cinq exceptions près) dans l’une des catégories suivantes :

  1. Prologue (32%)
    • Montage du prologue avec voix off (16%)
    • Scène de prologue sans voix off (16%)
  2. Incident déclencheur (25%)
  3. Day dans la vie (24%)
    • Jour excitant dans la vie (13%)
    • Jour mouvementé dans la vie (11%)
  4. Ouverture froide (11%)
  5. Flash forward (8%)

Note : presque tous les films que j’ai regardés avaient une longue série de plans sans paroles qui passaient sous le générique de début. Je n’ai pas compté cette section du film comme faisant partie de la scène d’ouverture.

Prologues

Dans ce but, je définis un prologue comme un montage ou une scène destinée à communiquer succinctement une backstory importante qui s’est produite avant les événements du film.

Prologue Montage avec voix off

Parfois, ce prologue est un montage avec narration en voix off qui déverse une tonne d’exposition sur le public en une seule fois. À peu près tous les gourous de l’écriture de scénario sur Terre vous diront d’éviter la voix-off comme la peste, mais elle est étonnamment commune même dans les films acclamés par la critique et peut être efficace lorsqu’elle est utilisée de manière réfléchie.

Les montages de prologue avec voix off sont particulièrement courants dans les films fantastiques et les épopées parce qu’il y a tellement d’histoire compliquée et de construction du monde que le public doit comprendre, mais ils sont également courants dans les films qui s’articulent autour de la voix unique et du point de vue du personnage principal, surtout si ce dernier se révélera être un narrateur quelque peu peu peu fiable.

Raising Arizona (1987)

Mon exemple préféré de ce type est la scène d’ouverture de Raising Arizona (1987). Ce montage est divertissant en raison du style unique et de la voix des personnages. Cette ouverture indique très clairement quel genre de film vous êtes sur le point de regarder et elle ajoute vraiment quelque chose au film au lieu de donner l’impression d’être une façon paresseuse de déverser un tas d’informations sur le public.

Note latérale intéressante : Ready Player One (2018) commence par un montage de prologue de 10 minutes avec voix off, mais j’ai lu une version antérieure du scénario il y a quelques années qui s’ouvrait avec une scène d’incident incitatif à la place, ce que j’ai tellement mieux aimé.

Exemples : Raising Arizona (1987), Légendes d’automne (1994), Clueless (1995), Un plan simple (1998), American Beauty (1999), Le Seigneur des anneaux : La Communauté de l’Anneau (2001), Amélie (2001), Love Actually (2003), La fin du monde (2013), Arrival (2016), Love, Simon (2018), Ready Player One (2018)

Scène de prologue sans voix off

Les prologues n’ont pas toujours une voix off. Parfois, à la place, il s’agit d’une scène de flashback qui révèle un moment charnière du passé (généralement l’enfance) d’un personnage important.

Les flashbacks, comme la voix off, sont un territoire dangereux – ils manquent presque toujours de tension parce que les événements de la scène ont déjà transpiré, de sorte que le résultat n’a pas de sens d’immédiateté. Ils impliquent aussi souvent des personnages qui ne seront pas présents dans le reste de l’histoire (ou qui sont joués par des acteurs différents et plus jeunes), ce qui peut être déroutant pour le public.

Mais lorsqu’ils sont bien faits, ces types de prologues peuvent être très efficaces pour nous rattraper sur une backstory importante et susciter la sympathie (ou le manque de sympathie) pour un personnage.

Inglourious Basterds (2009)

Mon exemple préféré de ce type est la scène d’ouverture d’Inglourious Basterds (2009). C’est une scène incroyablement longue, mais elle est extrêmement tendue du début à la fin. Cette scène présente l’antagoniste, met en place la motivation d’un personnage principal, vous situe dans le monde et le ton du film, et manie le sous-texte de manière experte pour créer du suspense et de l’intérêt.

Exemples : Le Parrain II (1974), Le Sixième Sens (1999), Capote (2005), Zodiac (2007), Inglourious Basterds (2009), Star Trek (2009), Les Gardiens de la Galaxie (2014), Lion (2016), Manchester By The Sea (2016), Rogue One : A Star Wars Story (2016), Les Gardiens de la Galaxie Vol. 2 (2017), et Black Panther (2018)

Incident déclencheur

Dans de nombreux films, il y a environ dix minutes de mise en place avant l’incident déclencheur du film (le premier événement qui déclenche un changement profond dans la vie du protagoniste), mais dans certains films (plus d’un quart de ceux que j’ai regardés), l’incident déclencheur se produit pratiquement dès la première page.

Ce type de scène d’ouverture présente l’incident incitatif qui met l’histoire en mouvement. Il peut s’agir d’un mariage, d’un enterrement ou d’une apocalypse. Peut-être que le personnage principal est libéré de prison, qu’il commence un nouveau travail, qu’il déménage dans une nouvelle maison, ou qu’il apprend l’existence d’une opportunité. Il peut aussi gagner à la loterie ou rencontrer l’amour de sa vie. En fait, j’ai été surpris de voir combien de fois cet incident incitatif se produisait dans la toute première scène d’un film, sans aucune mise en place avant.

There Will Be Blood (2007)

Mon exemple préféré de ce type est la scène d’ouverture de There Will Be Blood (2007). Dans la première minute du film, le personnage principal découvre de l’argent dans sa mine, ce qui entraîne tout ce qui se passe dans le film, mais cette scène présente quelques particularités :

  • Elle met en place l’intrigue du film de manière très efficace et tout est communiqué visuellement, et non par des dialogues.
  • Elle est incroyablement tendue. Il y a un moment dans la scène où un bâton de dynamite littéral fait le compte à rebours d’une explosion. Il y a aussi des éléments de mystère et de surprise.
  • Bien qu’il n’y ait presque pas de dialogue (il dit quelques mots à voix haute pour lui-même à un moment donné), à la fin de cette scène, vous comprenez exactement qui est ce personnage, y compris ses forces et ses faiblesses qui conduiront le reste de l’histoire.

Exemples : Retour vers le futur (1985), Aliens (1986), Die Hard (1988), Le Cercle des poètes disparus (1989), Le Silence des agneaux (1991), Se7en (1995), Ocean’s Eleven (2001), Training Day (2001), There Will Be Blood (2007), The Gift (2015), Moonlight (2016), The Witch (2016), Nerve (2016), Hello, My Name is Doris (2016), The Big Sick (2017), The Florida Project (2017), Call Me By Your Name (2017)

Un jour dans la vie

Une scène d’ouverture « Un jour dans la vie » est une scène qui présente le personnage principal – révélant généralement une force et un passif clés – et montre à quoi ressemble sa vie avant qu’elle ne soit changée par les événements du film.

Comme les prologues, il existe deux sous-types dans cette catégorie.

Journée excitante dans la vie

Certains films s’ouvrent avec notre ou nos personnages principaux en media res dans une situation excitante qui leur est typique avant que les événements du film ne changent leur vie pour toujours. Mais quand je dis que c’est une « journée typique », je ne parle pas d’une scène où ils mangent des céréales devant la télévision. Il s’agit d’un moment particulièrement excitant ou dramatique de leur vie quotidienne. Parfois, cette scène s’avère liée à l’intrigue plus large du film, mais souvent, elle n’a aucun rapport avec l’intrigue principale ou n’a qu’un lien tangentiel.

On voit le plus souvent ce type de scènes lorsque le personnage principal a un métier passionnant : un espion, un flic, un assassin, un braqueur de banque, etc, mais pas toujours.

Indiana Jones et les aventuriers de l’Arche perdue (1981)

Mon exemple préféré de ce type est la scène d’ouverture d’Indiana Jones et les aventuriers de l’Arche perdue (1981). En dépit des stéréotypes offensants sur les peuples autochtones (beurk), c’est l’une des plus grandes scènes d’ouverture de l’histoire du cinéma. Elle donne le ton et le genre du film à merveille, vous dit à peu près tout ce que vous devez savoir sur le personnage principal, et est très excitante et bien rythmée. Vous savez qu’Indy survit à l’épreuve parce qu’une franchise cinématographique entière lui est consacrée, mais même ainsi, vous êtes au bord de votre siège en vous inquiétant de savoir s’il s’en sortira vivant.

Exemples : Le Magicien d’Oz (1939), Indiana Jones et les Aventuriers de l’Arche perdue (1981), Men in Black (1997), Out of Sight (1998), Bad Boys II (2003), Spectre (2015) (en fait, à peu près tous les films de Bond), Green Room (2016), Baby Driver (2017), Lady Bird (2017), Logan (2017)

Journée de la vie sans histoire

D’autres fois, un film s’ouvre sur une scène de « journée de la vie » qui n’est pas du tout si dramatique ou excitante. Il est difficile de faire en sorte qu’une scène sans histoire comme celle-ci soit intéressante et adaptée au film. Beaucoup d’écrivains ouvrent leurs histoires de cette façon par défaut (un scénario commençant par un personnage se réveillant dans son lit est exagéré jusqu’au cliché), mais c’est mieux quand c’est choisi avec intention.

La clé pour que ces scènes fonctionnent est d’avoir quelque chose de frais et d’inhabituel dans le cadre, la situation, le dialogue ou les personnages. La scène présente généralement un ou plusieurs personnages principaux d’une manière qui les rend sympathiques ou au moins intrigants. Les scènes de ce type établissent généralement (mais pas toujours) le ton et le genre du film et illustrent le thème général du film.

La mise à mort d’un cerf sacré (2017)

Je n’ai pas spécialement aimé l’une des scènes d’ouverture que j’ai passées au crible dans cette catégorie, mais si je devais en choisir une, ce serait La mise à mort d’un cerf sacré (2017). C’est presque une tricherie, car cette scène prouve que la distinction entre « tranche de vie passionnante » et « tranche de vie sans histoire » peut être floue. Le film commence par un gros plan d’une véritable opération à cœur ouvert, qui est choquante pour le public et présente des enjeux de vie ou de mort pour le patient, mais qui n’est pas présentée comme un suspense dans le film. Dans le contexte de cette histoire, c’est juste une journée au bureau pour le personnage principal. Nous ne savons même pas si l’opération a réussi, et la scène se termine par une conversation intentionnellement banale entre le chirurgien et l’anesthésiste à propos de bracelets de montre. La scène ne concerne pas les enjeux ; elle concerne le thème et le personnage et établit une attente de ton pour le film.

Exemples : Autant en emporte le vent (1939), Carrie (1976), Blue is the Warmest Color (2013), Fences (2016), Logan Lucky (2017), Landline (2017), A Ghost Story (2017), The Killing of a Sacred Deer (2017)

Cold Opens

Lorsque nous pensons aux cold opens, nous pensons généralement à la télévision. Une ouverture froide à la télévision, parfois appelée teaser, est la section d’un épisode qui est montrée avant le générique de début. (Tous les épisodes n’ont pas une ouverture froide ; certains commencent par l’acte 1.)

Plus courante dans les films d’horreur, les thrillers et les films d’action, l’objectif principal d’une ouverture froide est d’attirer l’attention du public et d’établir les éléments du genre avant de commencer l’acte 1, qui sera une  » image avant  » de la vie des personnages et donc la partie la moins excitante du film. Mais même en dehors de ces genres, une ouverture froide peut démontrer la force d’une puissante force antagoniste, comme c’est le cas dans Spotlight (2015).

Une ouverture froide au cinéma n’implique presque jamais les personnages principaux du film ; cette scène est narrativement séparée des événements de l’histoire, bien qu’elle fournisse un contexte important.

The Lobster (2016)

Mon exemple préféré de ce type est la scène d’ouverture de The Lobster (2016). C’est unique, c’est surprenant, ça donne le ton du film et ça crée une question dans l’esprit du public qui trouvera une réponse plus tard.

Exemples : Les Dents de la mer (1975), Le dernier scout (1991), Jurassic Park (1993), Scream (1996), The Fast and the Furious (2001), Spotlight (2015), The Lobster (2016), Get Out (2016)

Flash Forward

Une ouverture « flash forward » est lorsqu’un film commence par une scène dans le présent (ou du moins le « présent » dans la ligne temporelle du film), puis le reste du film (ou la plupart) se déroule dans le passé menant à ce moment d’ouverture.

Ceci est devenu commun au point de devenir un cliché dans les pilotes de télévision, bien que ce soit un gimmick que j’apprécie personnellement. Il a probablement été rendu le plus célèbre à la télévision par le pilote de Breaking Bad (2008). Ces ouvertures en flash forward ont souvent une narration en voix off, mais pas toujours.

Le Prestige (2006)

Mon exemple préféré de ce type est la scène d’ouverture du Prestige (2006). Cette scène fait un excellent usage de la narration en voix off pour établir un thème du film, tout en taquinant le public pour un climax excitant et en présentant certains mystères à résoudre plus tard (comme ce qui se passe avec tous les chapeaux).

Exemples : Titanic (1997), Kill Bill : Vol. 1 (2003), Le Prestige (2006), L’Étrange Cas de Benjamin Button (2008), Carol (2015), Wonder Woman (2017)

Éléments d’une scène d’ouverture

Il n’y a pas de longueur fixe pour une scène d’ouverture. Parmi les scènes que j’ai regardées pour cette analyse, la plus courte était d’environ 30 secondes et la plus longue de 19 minutes. La longueur médiane était de trois minutes et 70% d’entre elles étaient de cinq minutes ou moins.

Près de la moitié des scènes que j’ai regardées étaient structurées comme un court métrage, ce qui signifie qu’elles avaient une mise en place au début, un milieu avec une tension croissante ou des complications, et à la fin généralement une sorte de twist, de surprise ou de retournement.

La première scène présente généralement au moins un personnage principal, mais parfois les personnages de la première scène ne sont pas du tout dans le reste du film.

Éléments communs à la plupart des scènes d’ouverture (il ne s’agit pas d’une liste de contrôle – chaque scène d’ouverture n’a pas besoin de tous les avoir) :

  1. Présente le protagoniste d’une manière qui communique efficacement et visuellement ses principales compétences, qualités, bizarreries et faiblesses.Celui-ci est très commun pour les scènes qui mettent en scène le protagoniste. À la fin de la première scène, le public peut souvent voir le bon et le mauvais de ce personnage et a déjà une idée de la façon dont il va tout faire foirer et pourquoi il a tant besoin de changer (ce qu’il peut réussir ou non, selon le type d’histoire que vous racontez).
  2. Présente le monde.

    Où sommes-nous ? Quand sommes-nous ? Si c’est une pièce d’époque, les indications de l’époque sont introduites dans la première scène. Si le monde a une géographie que le spectateur doit comprendre (même s’il s’agit simplement des couloirs d’un lycée), la première scène orientera parfois intentionnellement le public vers cette carte. S’il y a de la magie dans le monde ou des règles ou des coutumes étranges, nous les verrons probablement tout de suite aussi.

  3. Offre au public une image « avant » à comparer plus tard avec « après ». « Certains gourous de l’écriture de scénario vous diront que c’est obligatoire, mais ce n’est pas le cas. C’est pourtant courant. Très souvent, la première et la dernière scène d’un film se reflètent d’une manière ou d’une autre pour illustrer la façon dont le protagoniste a changé. Donc, si vous savez comment votre film va se terminer, cela peut vous donner une idée de la façon dont il devrait commencer.
  4. Présente un moment de « sauver le chat » pour le protagoniste, même si c’est très subtil.

    Vous êtes probablement familier avec le concept de « sauver le chat », qui vient de feu Blake Snyder. Il s’agit d’un moment dans de nombreux films où le protagoniste fait quelque chose de gentil ou de désintéressé (comme sauver un chat) pour montrer au public qu’il est une bonne personne, même s’il se comporte autrement comme un abruti en droit. Environ 27 % des scènes d’ouverture que j’ai regardées comportaient un moment de ce genre, même s’il était très subtil.

    Par exemple, dans la scène d’ouverture de Baby Driver, Baby est littéralement un chauffeur de fuite pour un braquage de banque – ce qui n’est pas une profession noble – mais il y a un bref moment où il baisse ses lunettes de soleil pour mieux voir le braquage à travers la fenêtre parce que Griff agite son arme dans tous les sens et on a le sentiment, d’après l’expression de Baby, qu’il pourrait être inquiet pour les otages. C’est rapide et subtil mais c’est suffisant.

  5. Tendue et pleine de suspense.

    Plus de la moitié des scènes d’ouverture que j’ai regardées (même certains drames indépendants tranquilles) étaient tendues, pleines de suspense ou dramatiques, mais ce qui est vraiment surprenant, c’est que près de la moitié des scènes n’étaient pas tendues et pleines de suspense ! Ouvrir avec une scène de conflit ou de danger peut aspirer les gens dans votre histoire rapidement, mais ce n’est pas le bon début pour tous les films.

  6. Une surprise ou un grand retournement de situation.

    Il est courant que les scènes d’ouverture contiennent au moins une révélation surprenante ou un retournement de situation inattendu – un personnage n’est pas ce qu’il semble être, un personnage semble avoir ce qu’il veut mais ce n’est pas le cas, etc.

  7. Définit le ton et le genre du film.Presque toutes les scènes d’ouverture que j’ai regardées établissent le ton et le genre de leur film, mais occasionnellement, vous en verrez une qui ne le fait pas. Deux exemples qui me viennent à l’esprit sont Les Gardiens de la Galaxie (2014) et Logan Lucky (2017), qui ont tous deux des scènes d’ouverture qui ne reflètent pas vraiment le genre et le ton du reste du film.

Façades clichées pour commencer un scénario

  • Personnage principal se réveillant au lit
  • Personnage principal prenant le petit-déjeuner avec sa famille et/ou emmenant les enfants à l’école
  • Personnage principal faisant du jogging
  • Un faux…out (on pense que quelque chose de sérieux se passe mais il s’avère que c’est un rêve ou un exercice ou une scène d’un film-dans-le-movie)
  • Un rendez-vous de thérapie, un entretien d’embauche, une audience de libération conditionnelle ou un autre moyen similaire de faire passer un tas d’informations par le dialogue
  • Un journal télévisé, un PowerPoint de bureau, un débriefing, ou un autre moyen similaire de faire passer un tas d’informations par une présentation
  • Un flashback d’enfance
  • Une narration en voix off

Ce n’est pas qu’aucun de ces éléments soit intrinsèquement mauvais et ne devrait jamais être fait. Il y a de grands films qui utilisent chacun d’entre eux. Assurez-vous simplement qu’elles servent vraiment votre histoire et qu’il ne s’agit pas de la première idée cliché qui vous est venue à l’esprit.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

Par exemple, une ouverture « le personnage principal se réveille dans son lit » peut être un bon choix pour un film qui traite du sommeil, du réveil ou de routines monotones. La clé est de le choisir de manière réfléchie.

Autre exemple, neuf gourous de l’écriture de scénario sur dix vous diront de ne jamais ouvrir un scénario avec une narration en voix off parce que c’est paresseux, mais c’est étonnamment courant dans les films à succès commercial et acclamés par la critique. Il y avait une narration en voix off dans la première scène de plus de 20 % des films que j’ai regardés. C’est plus d’un film sur cinq!

Je ne la recommande toujours pas parce que de nombreux lecteurs ont une réaction négative réflexe à son égard et que, la plupart du temps, elle est vraiment utilisée par paresse. Trouvez un moyen plus créatif de communiquer votre exposition (ou demandez-vous si elle a vraiment besoin d’être communiquée), et laissez le studio vous convaincre d’ajouter la voix off plus tard, après qu’ils vous aient donné beaucoup d’argent.

Que faire avec cette information

Si vous avez du mal avec la première scène d’un scénario que vous écrivez, passez en revue chacun des types de scènes d’ouverture ci-dessus et faites un brainstorming pour en trouver une pour votre scénario qui correspondrait à cette catégorie. Commencez par énumérer les idées les plus clichées, mais essayez ensuite de vous pousser à en trouver d’autres qui soient plus surprenantes. Vous pourriez trouver quelque chose d’intéressant que vous n’auriez pas pensé à faire autrement.

En outre, n’oubliez pas que vous pouvez toujours revenir en arrière et écrire une nouvelle scène d’ouverture plus tard. Il pourrait être plus facile de voir ce que cette scène d’ouverture doit être après avoir terminé un premier jet du scénario entier.

Enfin, si votre première scène ne correspond à aucune des catégories ci-dessus mais qu’elle fonctionne pour vous et vos lecteurs, c’est génial. Sur les 80 films que j’ai regardés pour cette analyse, je suis tombé sur cinq scènes d’ouverture qui ne correspondaient pas proprement à l’une des catégories ci-dessus. Ces films étaient The Karate Kid (1984), Steel Magnolias (1989), Schindler’s List (1993), Election (1999) et The Truman Show (1998), et trois de ces films avaient une note supérieure à 90 % sur Rotten Tomatoes, donc même si c’est rare, il est définitivement possible d’écrire une scène d’ouverture qui ne correspond à aucune des catégories ci-dessus et d’avoir quand même un excellent scénario.

Notes de bas de page

  1. On pourrait soutenir qu’un temps dans une scène est une unité encore plus petite, mais c’est un sujet pour un autre post.

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