I 5 tipi di scene d’apertura: Un’analisi di 80 film

La scena d’apertura di una sceneggiatura è un passo di vendita per convincere il lettore a rimanere per il resto della sceneggiatura. Esiste una formula per scriverne una grande? Ci sono elementi comuni a tutte? Di solito hanno una lunghezza particolare?

Per rispondere a queste domande, ho guardato le scene iniziali di 80 film di un’ampia varietà di generi. La maggior parte di questi film sono acclamati dalla critica. Alcuni sono stati raccomandati da amici perché la loro prima scena era particolarmente memorabile.

Quello che ho imparato è stato interessante. Naturalmente non c’è un’unica formula unificante per una grande scena d’apertura, e la lunghezza varia molto più di quanto mi aspettassi, ma quasi tutte le scene d’apertura che ho visto rientrano in una delle cinque categorie e quasi tutte le scene d’apertura condividono diversi elementi comuni.

Che cos’è una scena?

Prima di poter parlare di grandi scene d’apertura, assicuriamoci di essere sulla stessa pagina su cosa sia una scena.

Una scena è la più piccola unità di storia1 in uno script. Ecco alcuni elementi comuni spesso usati per definire una scena:

  • Si svolge in un singolo luogo
  • Si svolge in un singolo blocco di tempo
  • Rappresenta un singolo problema con un inizio, un centro e una fine che può stare da solo come una mini-storia comprensibile

Ma ci sono molti controesempi a queste definizioni.

Per esempio, si potrebbe avere una singola conversazione che inizia in un parcheggio, continua in macchina durante un viaggio e si risolve quando i personaggi arrivano a destinazione. È un singolo blocco di tempo e un singolo problema con un inizio, un centro e una fine, ma si svolge in più luoghi.

Similmente, si potrebbero avere due conversazioni non correlate che si svolgono in una singola stanza ad una festa. Si tratta di un unico luogo e di un unico blocco di tempo, ma sono due problemi non correlati con i loro propri inizio, metà e fine.

Infine, si potrebbe avere una conversazione che inizia a letto, poi i personaggi si addormentano, passano otto ore, e torniamo da loro la mattina quando si svegliano e finiscono la loro conversazione. È un unico luogo e un unico problema con un inizio, una parte centrale e una fine, ma si svolge in due blocchi di tempo.

In ognuno di questi esempi è necessario chiamare queste scene separate in una sceneggiatura per scopi di produzione, ma per scopi di narrazione, si potrebbe pensare a loro come una singola scena. Questo diventa ancora più complicato con i montaggi, che vedremo più avanti sono una forma sorprendentemente comune di scena iniziale nei film.

Oltre a una scena, abbiamo anche qualcosa chiamato sequenza. Anche in questo caso, la cosa diventa confusa, ma una sequenza è un’unità di storia leggermente più grande, composta da più scene che si collegano continuamente per mostrare l’introduzione e la risoluzione di un problema prima che la storia tagli via per un nuovo problema. (Si noti che quando dico “risoluzione”, non intendo dire che il problema è risolto, ma solo che la domanda che il problema ha sollevato ha ora almeno una risposta provvisoria).

Si potrebbe sostenere che un montaggio è davvero una sequenza e non una scena, o che alcuni dei miei esempi di scene che infrangono le regole sono in realtà sequenze. È tutta semantica, quindi definite questi termini nel modo che vi è più utile. Alla fine della giornata, stiamo cercando di raccontare una buona storia, non di passare un quiz.

Il padrino parte II (1974)

Per un esempio di ciò che chiamerei una sequenza, guardate l’inizio de Il padrino parte II (1974). La prima scena del film è una scena molto breve, quasi senza parole, in cui il fratello del giovane Vito viene ucciso da un signore della mafia locale durante il funerale di suo padre in Sicilia. Nella scena successiva, la madre di Vito lo porta da Don Ciccio, il mafioso che ha ucciso il padre e il fratello di Vito, per implorare pietà. Don Ciccio rifiuta, la madre di Vito tenta di prenderlo in ostaggio, viene uccisa e Vito fugge.

L’intera sequenza dura solo quattro minuti circa. Sono due scene separate perché gli eventi si svolgono in due luoghi diversi e tra loro è passato del tempo fuori dallo schermo (anche se forse solo un’ora o poco più). Ma soprattutto, sono due scene separate perché ogni scena ha il suo inizio, metà e fine. La prima scena inizia con una processione funebre e finisce con il fratello di Vito che viene ucciso da Don Ciccio. La seconda scena inizia con la madre di Vito che supplica Don Ciccio di avere pietà e finisce con lei che viene uccisa mentre Vito fugge.

Ma insieme queste due scene formano una sequenza più grande che comporta l’introduzione e la risoluzione di una singola domanda. La domanda è: “Don Ciccio risparmierà la vita di Vito?” La prima scena introduce la domanda quando il fratello di Vito viene ucciso da Don Ciccio al funerale del padre; il seguito risponde alla domanda quando la madre di Vito implora Don Ciccio di avere pietà e lui rifiuta. Il problema non è risolto, ma è risolto – ora abbiamo una risposta alla domanda. La risposta è no.

Si potrebbe sostenere che la sezione dopo queste due scene (Vito che fugge da Corleone con l’aiuto dei cittadini) fa parte della stessa sequenza, ma per me quella è una nuova sequenza con una nuova domanda che non è stata introdotta nella sequenza precedente. La domanda che la seconda sequenza pone è: “Vito riuscirà a fuggire con successo da Corleone?”

Chi se ne frega?

Ha importanza come definiamo una scena o una sequenza? In un certo senso, no, non importa affatto. Se stai raccontando una grande storia, non importa se l’intero film è una singola scena o cinque atti o cento sequenze o comunque tu voglia pensarla.

Ma può essere utile pensare a queste cose se una parte della tua storia ti sembra insoddisfacente e non riesci a capire perché. Potete chiedervi: questa scena ha un inizio, un centro e una fine? Fa parte di una sequenza più ampia che chiede e risponde a una domanda? La fine della mia scena o sequenza pone una nuova domanda per tirarci nella scena o sequenza successiva? Se la risposta a una di queste domande è no, questo potrebbe essere il problema.

È particolarmente importante se la scena o la sequenza che sembra insoddisfacente è la prima della tua sceneggiatura.

Tipi di scene di apertura

Dopo aver analizzato le scene di apertura di 80 film, ho scoperto che tutte (con solo cinque eccezioni) rientrano in una delle seguenti categorie:

  1. Prologo (32%)
    • Montaggio del prologo con voce fuori campo (16%)
    • Scena del prologo senza voce fuori campo (16%)
  2. Incidente emozionante (25%)
  3. Giorno nella vita (24%)
    • Giornata eccitante nella vita (13%)
    • Giornata movimentata nella vita (11%)
  4. Freddo aperto (11%)
  5. Flash forward (8%)

Nota: quasi tutti i film che ho visto avevano una lunga serie di inquadrature senza parole che scorrevano sotto i titoli di testa. Non ho contato questa sezione del film come parte della scena d’apertura.

Prologhi

A questo scopo, definisco un prologo come un montaggio o una scena che ha lo scopo di comunicare succintamente importanti retroscena avvenuti prima degli eventi del film.

Montaggio del prologo con voce fuori campo

A volte questo prologo è un montaggio con voce fuori campo che scarica una tonnellata di informazioni sul pubblico in una volta sola. Quasi tutti i guru della sceneggiatura sulla Terra ti diranno di evitare la voce fuori campo come la peste, ma è sorprendentemente comune anche in film acclamati dalla critica e può essere efficace se usato con attenzione.

I montaggi del prologo con voce fuori campo sono particolarmente comuni nei film fantasy ed epici perché c’è tanta storia complicata e costruzione del mondo che il pubblico deve capire, ma sono anche comuni nei film che si basano sulla voce unica e sul punto di vista del personaggio principale, specialmente se il personaggio principale risulterà essere un narratore poco affidabile.

Raising Arizona (1987)

Il mio esempio preferito di questo tipo è la scena iniziale di Raising Arizona (1987). Questo montaggio è divertente grazie allo stile unico e alla voce dei personaggi. Questa apertura rende molto chiaro il tipo di film che si sta per vedere e aggiunge davvero qualcosa al film invece di sembrare solo un modo pigro per scaricare un mucchio di informazioni sul pubblico.

Nota a margine interessante: Ready Player One (2018) inizia con un montaggio di 10 minuti di prologo con voce fuori campo, ma ho letto una prima bozza della sceneggiatura qualche anno fa che si apriva invece con una scena di incidente incitante, che mi piaceva molto di più.

Esempi: Raising Arizona (1987), Legends of the Fall (1994), Clueless (1995), A Simple Plan (1998), American Beauty (1999), Il Signore degli Anelli: La Compagnia dell’Anello (2001), Amélie (2001), Love Actually (2003), La fine del mondo (2013), Arrival (2016), Love, Simon (2018), Ready Player One (2018)

Scena del prologo senza voce fuori campo

I prologhi non hanno sempre la voce fuori campo. A volte invece si tratta di una scena flashback che rivela un momento cruciale del passato (di solito l’infanzia) di un personaggio importante.

I flashback, come la voce fuori campo, sono un territorio pericoloso – quasi sempre mancano di tensione perché gli eventi della scena sono già trascorsi, quindi il risultato non ha alcun senso di immediatezza. Spesso coinvolgono anche personaggi che non saranno presenti nel resto della storia (o sono interpretati da attori diversi e più giovani), il che può confondere il pubblico.

Ma quando sono fatti bene, questi tipi di prologhi possono essere molto efficaci per aggiornarci su importanti retroscena e costruire la simpatia (o la sua mancanza) per un personaggio.

Inglourious Basterds (2009)

Il mio esempio preferito di questo tipo è la scena di apertura di Inglourious Basterds (2009). È una scena incredibilmente lunga, ma è estremamente tesa dall’inizio alla fine. Questa scena introduce l’antagonista, imposta la motivazione di un personaggio principale, ti colloca nel mondo e nel tono del film, e usa sapientemente il sottotesto per creare suspense e interesse.

Esempi: Il padrino parte II (1974), Il sesto senso (1999), Capote (2005), Zodiac (2007), Bastardi senza gloria (2009), Star Trek (2009), Guardiani della galassia (2014), Lion (2016), Manchester By The Sea (2016), Rogue One: A Star Wars Story (2016), Guardiani della galassia Vol. 2 (2017), e Black Panther (2018)

Incidente incitante

In molti film, ci sono una decina di minuti di setup prima dell’incidente incitante del film (il primo evento che dà il via a un profondo cambiamento nella vita del protagonista), ma in alcuni film (più di un quarto di quelli che ho guardato), l’incidente incitante avviene praticamente nella prima pagina.

Questo tipo di scena iniziale introduce l’incidente che mette in moto la storia. Potrebbe essere un matrimonio, un funerale o un’apocalisse. Forse il personaggio principale viene rilasciato dalla prigione, inizia un nuovo lavoro, si trasferisce in una nuova casa, o viene a conoscenza di un’opportunità. Forse vincono la lotteria o incontrano l’amore della loro vita. In realtà sono rimasto sorpreso di quanto spesso questo incidente incitante sia accaduto nella primissima scena di un film senza alcuna impostazione prima di esso.

There Will Be Blood (2007)

Il mio esempio preferito di questo tipo è la scena iniziale di There Will Be Blood (2007). Nel primo minuto del film, il protagonista scopre l’argento nella sua miniera, che porta a tutto il resto che accade nel film, ma ci sono alcune cose speciali in questa scena:

  • Imposta la trama del film in modo molto efficiente e tutto viene comunicato visivamente, non attraverso il dialogo.
  • È incredibilmente tesa. C’è una parte nella scena in cui un letterale candelotto di dinamite fa il conto alla rovescia per l’esplosione. Ci sono anche elementi di mistero e sorpresa.
  • Anche se non c’è quasi nessun dialogo (ad un certo punto dice qualche parola ad alta voce a se stesso), alla fine di questa scena si capisce esattamente chi è questo personaggio, compresi i suoi punti di forza e di debolezza che guideranno il resto della storia.

Esempi: Ritorno al futuro (1985), Aliens (1986), Die Hard (1988), L’attimo fuggente (1989), Il silenzio degli innocenti (1991), Se7en (1995), Ocean’s Eleven (2001), Training Day (2001), There Will Be Blood (2007), The Gift (2015), Moonlight (2016), The Witch (2016), Nerve (2016), Hello, My Name is Doris (2016), The Big Sick (2017), The Florida Project (2017), Call Me By Your Name (2017)

A Day in the Life

Una scena di apertura “Day in the Life” è una scena che introduce il personaggio principale – di solito rivelando una forza e una responsabilità chiave – e mostra com’è la sua vita prima che venga cambiata dagli eventi del film.

Come i prologhi, ci sono due sottotipi all’interno di questa categoria.

Eccitante giorno della vita

Alcuni film si aprono con il nostro personaggio principale o i personaggi in media res in una situazione emozionante che è tipica per loro prima che gli eventi del film cambino la loro vita per sempre. Ma quando dico che è una “giornata tipica”, non intendo una scena in cui mangiano cereali davanti alla TV. È un momento particolarmente emozionante o drammatico della loro vita quotidiana. A volte questa scena si rivelerà legata alla trama più grande del film, ma spesso non ha alcuna relazione con la trama principale, o ha solo una connessione tangenziale.

Si vedono più spesso questi tipi di scene quando il personaggio principale ha un lavoro emozionante: una spia, un poliziotto, un assassino, un rapinatore di banche, ecc, ma non sempre.

Indiana Jones e i Predatori dell’Arca Perduta (1981)

Il mio esempio preferito di questo tipo è la scena iniziale di Indiana Jones e i Predatori dell’Arca Perduta (1981). Nonostante gli stereotipi offensivi sui popoli indigeni (yikes), questa è una delle più grandi scene di apertura nella storia del cinema. Stabilisce il tono e il genere del film meravigliosamente, ti dice praticamente tutto quello che devi sapere sul personaggio principale, ed è molto emozionante e ben ritmato. Sai che Indy sopravvive alla prova perché c’è un’intera serie di film su di lui, ma sei comunque sul filo del rasoio a preoccuparti se ne uscirà vivo.

Esempi: Il Mago di Oz (1939), Indiana Jones e i Predatori dell’Arca Perduta (1981), Men in Black (1997), Out of Sight (1998), Bad Boys II (2003), Spectre (2015) (in effetti, praticamente qualsiasi film di Bond), Green Room (2016), Baby Driver (2017), Lady Bird (2017), Logan (2017)

Uneventful Day in the Life

Altre volte, un film si apre con una scena “day in the life” che non è affatto drammatica o emozionante. E’ difficile tirare fuori una scena non movimentata come questa in un modo che sia interessante e adatto al film. Molti scrittori aprono le loro storie in questo modo per default (una sceneggiatura che inizia con un personaggio che si sveglia nel letto è esagerata fino al cliché) ma è meglio quando viene scelta con intenzione.

La chiave per far funzionare queste scene è avere qualcosa di fresco e insolito nell’ambientazione, nella situazione, nel dialogo o nei personaggi. La scena di solito introduce uno o più personaggi principali in un modo che li rende simpatici o almeno intriganti. Scene come questa di solito (ma non sempre) stabiliscono il tono e il genere del film e illustrano il tema generale del film.

The Killing of a Sacred Deer (2017)

Non ho amato particolarmente nessuna delle scene di apertura che ho proiettato in questa categoria, ma se dovessi sceglierne una sarebbe The Killing of a Sacred Deer (2017). Questo è quasi un imbroglio perché questa scena dimostra che la distinzione tra “slice of life eccitante” e “slice of life non movimentato” può essere sfocata. Il film inizia con un primo piano di una vera operazione a cuore aperto, che è scioccante per il pubblico e ha una posta in gioco di vita o di morte per il paziente, ma non è presentata come suspense nel film. Nel contesto di questa storia, è solo una giornata in ufficio per il personaggio principale. Non scopriamo nemmeno se l’operazione ha avuto successo, e la scena finisce con il chirurgo che ha una conversazione intenzionalmente banale con l’anestesista sui cinturini. La scena non riguarda la posta in gioco; riguarda il tema e il personaggio e stabilisce un’aspettativa di tono per il film.

Esempi: Via col vento (1939), Carrie (1976), Blue is the Warmest Color (2013), Fences (2016), Logan Lucky (2017), Landline (2017), A Ghost Story (2017), The Killing of a Sacred Deer (2017)

Cold Opens

Quando si pensa alle cold opens, di solito si pensa alla televisione. Una cold open in televisione, a volte chiamata teaser, è la sezione di un episodio che viene mostrata prima dei titoli di testa. (Non tutti gli episodi hanno un’apertura a freddo; alcuni iniziano con l’atto 1.)

Più comune nei film horror, nei thriller polizieschi e nei film d’azione, lo scopo principale di un’apertura a freddo è quello di catturare l’attenzione del pubblico e stabilire elementi di genere prima di iniziare l’atto 1, che sarà un “quadro preliminare” della vita dei personaggi e quindi la parte meno emozionante del film. Ma anche al di fuori di questi generi, un’apertura a freddo può dimostrare la forza di una potente forza antagonista, come fa in Spotlight (2015).

Un’apertura a freddo nei film non coinvolge quasi mai i personaggi principali del film; questa scena è narrativamente separata dagli eventi della storia, anche se fornisce un contesto importante.

The Lobster (2016)

Il mio esempio preferito di questo tipo è la scena di apertura di The Lobster (2016). È unica, è sorprendente, stabilisce il tono del film e crea una domanda nella mente del pubblico che avrà una risposta più tardi.

Esempi: Jaws (1975), The Last Boy Scout (1991), Jurassic Park (1993), Scream (1996), The Fast and the Furious (2001), Spotlight (2015), The Lobster (2016), Get Out (2016)

Flash Forward

Un’apertura “flash forward” è quando un film inizia con una scena nel presente (o almeno il “presente” nella linea temporale del film) e poi il resto del film (o la maggior parte di esso) si svolge nel passato fino a quel momento di apertura.

Questo è diventato comune fino al cliché nei pilot televisivi, anche se è un espediente che personalmente mi piace. Probabilmente è stato reso più famoso in televisione dal pilota di Breaking Bad (2008). Queste aperture flash forward hanno spesso una narrazione con voce fuori campo, ma non sempre.

The Prestige (2006)

Il mio esempio preferito di questo tipo è la scena di apertura di The Prestige (2006). Quella scena fa un grande uso della voce narrante per stabilire un tema del film, mentre stuzzica il pubblico per un climax eccitante e presenta alcuni misteri da risolvere in seguito (come il problema con tutti i cappelli).

Esempi: Titanic (1997), Kill Bill: Vol. 1 (2003), The Prestige (2006), Il curioso caso di Benjamin Button (2008), Carol (2015), Wonder Woman (2017)

Elementi di una scena d’apertura

Non esiste una lunghezza fissa per una scena d’apertura. Delle scene che ho guardato per questa analisi, la più breve era di circa 30 secondi e la più lunga di 19 minuti. La lunghezza mediana era di tre minuti e il 70% era di cinque minuti o meno.

Quasi la metà delle scene che ho visto erano strutturate come un cortometraggio, cioè avevano un’impostazione all’inizio, una parte centrale con tensione crescente o complicazioni, e alla fine di solito una sorta di colpo di scena, sorpresa o ribaltamento.

La prima scena di solito introduce almeno un personaggio principale, ma a volte i personaggi della prima scena non sono affatto presenti nel resto del film.

Elementi comuni nella maggior parte delle scene di apertura (questa non è una lista di controllo – ogni scena di apertura non deve averli tutti):

  1. Introduce il protagonista in un modo che comunica le sue principali abilità, qualità, stranezze e debolezze in modo efficiente e visivo.Questo è molto comune per le scene che vedono protagonista. Entro la fine della prima scena, il pubblico può spesso vedere il bene e il male di questo personaggio e sta già avendo un’idea di come rovinerà le cose e perché ha così tanto bisogno di cambiare (cosa che potrebbe o non potrebbe mai fare con successo, a seconda del tipo di storia che stai raccontando).
  2. Introduce il mondo.

    Dove siamo? Quando siamo? Se è una storia d’epoca, le indicazioni del periodo sono introdotte nella prima scena. Se il mondo ha una geografia che lo spettatore deve capire (anche se si tratta solo dei corridoi di un liceo), la prima scena a volte orienterà intenzionalmente il pubblico verso questa mappa. Se c’è magia nel mondo o strane regole o usanze, probabilmente vedremo anche quelle subito.

  3. Offre al pubblico un’immagine “prima” da confrontare poi con il “dopo”. Però è comune. Molto spesso la prima e l’ultima scena di un film si rispecchiano in qualche modo per illustrare come è cambiato il protagonista. Quindi se sai come finirà il tuo film, questo potrebbe darti un’idea di come dovrebbe iniziare.
  4. Presenta un momento “salva il gatto” per il protagonista, anche se è molto sottile.

    Probabilmente hai familiarità con il concetto di “salva il gatto”, che viene dal defunto Blake Snyder. Si riferisce a un momento in molti film in cui il protagonista fa qualcosa di gentile o altruista (come salvare un gatto) per mostrare al pubblico che è una brava persona, anche se altrimenti si comporta come un idiota autorizzato. Circa il 27% delle scene d’apertura che ho visto avevano un momento come questo, anche se era molto sottile.

    Per esempio, nella scena d’apertura di Baby Driver, Baby è letteralmente un autista in fuga per una rapina in banca – non una nobile occupazione – ma c’è un breve momento in cui abbassa i suoi occhiali da sole per guardare meglio dalla finestra la rapina perché Griff sta agitando la sua pistola e si ha la sensazione dall’espressione di Baby che potrebbe essere preoccupato per gli ostaggi. E’ veloce e sottile ma è sufficiente.

  5. Teso e pieno di suspense.

    Più della metà delle scene di apertura che ho visto (anche alcuni tranquilli drammi indie) erano tese, piene di suspense o drammatiche, ma ciò che è davvero sorprendente è che quasi la metà delle scene non erano tese e piene di suspense! Aprire con una scena di conflitto o di pericolo può risucchiare rapidamente le persone nella tua storia, ma non è l’inizio giusto per ogni film.

  6. Una sorpresa o un grande capovolgimento.

    È comune per le scene di apertura contenere almeno una rivelazione sorprendente o un inaspettato capovolgimento di fortuna – un personaggio non è quello che sembra, un personaggio sembra che stia per ottenere ciò che vuole ma poi non lo fa, ecc.

  7. Stabilisce il tono e il genere del film.Quasi tutte le scene di apertura che ho visto stabiliscono il tono e il genere del loro film, ma occasionalmente ne vedrete una che non lo fa. Due esempi che mi vengono in mente così su due piedi sono Guardiani della Galassia (2014) e Logan Lucky (2017), entrambi i quali hanno scene di apertura che non riflettono realmente il genere e il tono del resto del film.

Modi comuni per iniziare una sceneggiatura

  • Personaggio principale che si sveglia a letto
  • Personaggio principale che fa colazione con la famiglia e/o porta i bambini a scuola
  • Personaggio principale che fa jogging
  • Una finta-(pensiamo che stia succedendo qualcosa di serio ma si scopre che è un sogno o un’esercitazione o una scena di un film nel film)
  • Un appuntamento in terapia, un colloquio di lavoro, un’udienza per la libertà vigilata o qualche altro modo simile di trasmettere un mucchio di informazioni attraverso il dialogo
  • Un telegiornale, un PowerPoint in ufficio, un debriefing, o qualche altro modo simile di trasmettere un mucchio di informazioni attraverso una presentazione
  • Flashback dell’infanzia
  • Narrazione vocale

Non è che nessuna di queste sia intrinsecamente cattiva e non dovrebbe essere fatta. Ci sono grandi film che usano ognuno di essi. Assicurati solo che sia davvero utile alla tua storia e non sia solo la prima idea cliché che ti è venuta in mente.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

Per esempio, un’apertura “il protagonista che si sveglia nel letto” può essere una buona scelta per un film che parla di sonno o risveglio o routine monotone. La chiave è sceglierla con attenzione.

Come altro esempio, nove guru della sceneggiatura su dieci ti diranno di non aprire mai una sceneggiatura con una narrazione in voce fuori campo perché è pigra, ma è sorprendentemente comune in film di successo commerciale e acclamati dalla critica. C’era una voce fuori campo nella prima scena di più del 20% dei film che ho visto. Cioè più di 1 film su 5!

Continuo a non raccomandarla perché molti lettori hanno una reazione negativa istintiva ad essa e la maggior parte delle volte è usata davvero per pigrizia. Trovate un modo più creativo per comunicare la vostra esposizione (o chiedetevi se c’è davvero bisogno di comunicarla), e lasciate che lo studio vi convinca ad aggiungere la voce fuori campo più tardi, dopo avervi dato un sacco di soldi.

Cosa fare con queste informazioni

Se state lottando con la prima scena di una sceneggiatura che state scrivendo, passate in rassegna ognuno dei tipi di scene iniziali di cui sopra e fate un brainstorming per la vostra sceneggiatura che rientri in quella categoria. Vai avanti ed elenca prima le idee più cliché, ma poi prova a spingerti a pensare a qualche altra che sia più sorprendente. Potresti trovare qualcosa di interessante che altrimenti non avresti pensato di fare.

Ricorda anche che puoi sempre tornare indietro e scrivere una nuova scena iniziale più tardi. Potrebbe essere più facile vedere cosa deve essere quella scena di apertura dopo aver finito una prima stesura dell’intera sceneggiatura.

Infine, se la tua prima scena non rientra in nessuna delle categorie di cui sopra, ma funziona per te e per i tuoi lettori, è fantastico. Degli 80 film che ho guardato per questa analisi, mi sono imbattuto in cinque scene di apertura che non si adattavano perfettamente a nessuna delle categorie di cui sopra. Quei film erano The Karate Kid (1984), Steel Magnolias (1989), Schindler’s List (1993), Election (1999), e The Truman Show (1998), e tre di questi film avevano una valutazione superiore al 90% su Rotten Tomatoes, quindi anche se può essere raro, è sicuramente possibile scrivere una scena di apertura che non rientra in nessuna delle categorie di cui sopra e avere comunque un grande script.

Punti di vista

  1. Si potrebbe sostenere che una battuta all’interno di una scena è un’unità ancora più piccola, ma questo è un argomento per un altro post.

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