Die 5 Arten von Eröffnungsszenen: Eine Analyse von 80 Filmen

Die Eröffnungsszene eines Drehbuchs ist ein Verkaufsargument, um den Leser davon zu überzeugen, den Rest des Drehbuchs zu lesen. Gibt es eine Formel, um eine gute Szene zu schreiben? Gibt es gemeinsame Elemente, die allen gemeinsam sind? Haben sie in der Regel eine bestimmte Länge?

Um diese Fragen zu beantworten, habe ich mir die Eröffnungsszenen von 80 Filmen aus einer Vielzahl von Genres angesehen. Die meisten dieser Filme sind von der Kritik hochgelobt. Einige wurden mir von Freunden empfohlen, weil ihre erste Szene besonders einprägsam war.

Was ich erfuhr, war interessant. Natürlich gibt es keine einheitliche Formel für eine großartige Eröffnungsszene, und die Länge variierte viel stärker, als ich erwartet hatte, aber fast alle Eröffnungsszenen, die ich gesehen habe, fielen in eine der fünf Kategorien, und fast alle Eröffnungsszenen hatten mehrere gemeinsame Elemente.

Was ist eine Szene?

Bevor wir über großartige Eröffnungsszenen sprechen können, sollten wir sicherstellen, dass wir uns darüber einig sind, was eine Szene ist.

Eine Szene ist die kleinste Einheit der Geschichte1 in einem Drehbuch. Hier sind einige gängige Elemente, die oft zur Definition einer Szene verwendet werden:

  • Sie findet an einem einzigen Ort statt
  • Sie findet in einem einzigen Zeitblock statt
  • Sie stellt ein einzelnes Problem mit einem Anfang, einer Mitte und einem Ende dar, das für sich allein stehen kann und eine eigene, verständliche Minigeschichte darstellt

Aber es gibt viele Gegenbeispiele zu diesen Definitionen.

Ein einzelnes Gespräch kann zum Beispiel auf einem Parkplatz beginnen, im Auto fortgesetzt werden und sich auflösen, wenn die Figuren an ihrem Ziel ankommen. Es ist ein einziger Zeitblock und ein einziges Problem mit einem Anfang, einer Mitte und einem Ende, aber es findet an mehreren Orten statt.

Gleichermaßen könnte man zwei nicht zusammenhängende Unterhaltungen in einem einzigen Raum auf einer Party ablaufen lassen. Es ist ein einziger Ort und ein einziger Zeitblock, aber es sind zwei nicht zusammenhängende Probleme mit eigenem Anfang, eigener Mitte und eigenem Ende.

Schließlich könnte man ein Gespräch haben, das im Bett beginnt, dann schlafen die Figuren ein, acht Stunden vergehen, und wir kommen am Morgen zu ihnen zurück, wenn sie aufwachen und ihr Gespräch beenden. Es handelt sich um einen einzigen Schauplatz und ein einziges Problem mit einem Anfang, einer Mitte und einem Ende, aber es spielt sich in zwei Zeitblöcken ab.

In jedem dieser Beispiele müssten Sie diese Szenen in einem Drehbuch für Produktionszwecke als separate Szenen bezeichnen, aber für Erzählzwecke könnten Sie sie als eine einzige Szene betrachten. Noch komplizierter wird es bei Montagen, die, wie wir weiter unten sehen werden, eine überraschend häufige Form der Eröffnungsszene in Filmen sind.

Neben der Szene gibt es noch etwas, das man Sequenz nennt. Auch hier wird es unübersichtlich, aber eine Sequenz ist eine etwas größere Einheit der Geschichte, die aus mehreren Szenen besteht, die kontinuierlich miteinander verbunden sind, um die Einführung und Lösung eines Problems zu zeigen, bevor die Geschichte zu einem neuen Problem übergeht. (Wenn ich von „Lösung“ spreche, meine ich nicht, dass das Problem gelöst ist, sondern nur, dass die Frage, die das Problem aufgeworfen hat, nun zumindest eine vorläufige Antwort hat.)

Man könnte argumentieren, dass eine Montage eigentlich eine Sequenz und keine Szene ist, oder dass einige meiner obigen Beispiele für regelwidrige Szenen eigentlich Sequenzen sind. Das ist alles Semantik, also definieren Sie diese Begriffe so, wie es für Sie am sinnvollsten ist. Schließlich wollen wir eine gute Geschichte erzählen und nicht ein Quiz bestehen.

Der Pate – Teil II (1974)

Ein Beispiel dafür, was ich als Sequenz bezeichnen würde, ist der Anfang von Der Pate – Teil II (1974). Die erste Szene des Films ist eine sehr kurze, fast wortlose Szene, in der der Bruder des jungen Vito während der Beerdigung seines Vaters in Sizilien von einem örtlichen Mafiaboss getötet wird. In der nächsten Szene bringt Vitos Mutter ihn zu Don Ciccio, dem Mafiaboss, der Vitos Vater und Bruder getötet hat, und bittet ihn um Gnade. Don Ciccio weigert sich, Vitos Mutter versucht, ihn als Geisel zu nehmen, sie wird getötet, und Vito entkommt.

Diese gesamte Sequenz ist nur etwa vier Minuten lang. Es handelt sich um zwei getrennte Szenen, weil die Ereignisse an zwei verschiedenen Orten stattfinden und dazwischen einige Zeit verstrichen ist (wenn auch vielleicht nur eine Stunde oder so). Vor allem aber handelt es sich um zwei getrennte Szenen, denn jede Szene hat ihren eigenen Anfang, ihre eigene Mitte und ihr eigenes Ende. Die erste Szene beginnt mit einem Leichenzug und endet mit der Ermordung von Vitos Bruder durch Don Ciccio. Die zweite Szene beginnt mit Vitos Mutter, die Don Ciccio um Gnade anfleht, und endet damit, dass sie getötet wird, während Vito entkommt.

Aber zusammen bilden diese beiden Szenen eine größere Sequenz, die die Einführung und Lösung einer einzigen Frage beinhaltet. Die Frage lautet: „Wird Don Ciccio Vitos Leben verschonen?“ Die erste Szene führt die Frage ein, als Vitos Bruder bei der Beerdigung seines Vaters von Don Ciccio getötet wird; die Fortsetzung beantwortet die Frage, als Vitos Mutter Don Ciccio um Gnade anfleht und er sich weigert. Das Problem ist nicht gelöst, aber es ist gelöst – wir haben jetzt eine Antwort auf die Frage. Die Antwort ist nein.

Man könnte argumentieren, dass der Abschnitt nach diesen beiden Szenen (Vito entkommt Corleone mit Hilfe der Stadtbewohner) Teil derselben Sequenz ist, aber für mich ist das eine neue Sequenz mit einer neuen Frage, die in der vorherigen Sequenz nicht eingeführt wurde. Die Frage, die in der zweiten Sequenz gestellt wird, lautet: „Wird es Vito gelingen, Corleone zu entkommen?“

Who Cares?

Ist es wichtig, wie wir eine Szene oder eine Sequenz definieren? Nein, in gewisser Weise spielt das überhaupt keine Rolle. Wenn Sie eine großartige Geschichte erzählen, spielt es keine Rolle, ob der ganze Film aus einer einzigen Szene besteht oder aus fünf Akten oder hundert Sequenzen oder wie auch immer Sie das sehen wollen.

Aber es kann hilfreich sein, über diese Dinge nachzudenken, wenn sich ein Teil Ihrer Geschichte unbefriedigend anfühlt und Sie nicht herausfinden können, warum. Du kannst dich fragen: Hat diese Szene einen Anfang, eine Mitte und ein Ende? Ist sie Teil einer größeren Sequenz, in der eine Frage gestellt und beantwortet wird? Stellt das Ende meiner Szene oder Sequenz eine neue Frage, um uns in die nächste Szene oder Sequenz zu ziehen? Wenn die Antwort auf eine dieser Fragen nein lautet, könnte das das Problem sein.

Es ist besonders wichtig, wenn die Szene oder Sequenz, die sich unbefriedigend anfühlt, die allererste in Ihrem Drehbuch ist.

Typen von Eröffnungsszenen

Nachdem ich die Eröffnungsszenen von 80 Filmen analysiert habe, habe ich festgestellt, dass sie alle (mit nur fünf Ausnahmen) in eine der folgenden Kategorien passen:

  1. Prolog (32%)
    • Prolog-Montage mit Voiceover (16%)
    • Prolog-Szene ohne Voiceover (16%)
  2. Einleitender Vorfall (25%)
  3. Tag im Leben (24%)
    • Aufregender Tag im Leben (13%)
    • Ereignisloser Tag im Leben (11%)
  4. Kalt aufmachen (11%)
  5. Vorspulen (8%)

Anmerkung: Fast jeder Film, den ich gesehen habe, hatte eine lange Reihe von wortlosen Einstellungen, die unter dem Vorspann liefen. Ich habe diesen Abschnitt des Films nicht als Teil der Eröffnungsszene gezählt.

Prolog

Für diesen Zweck definiere ich einen Prolog als eine Montage oder Szene, die kurz und bündig eine wichtige Hintergrundgeschichte vermitteln soll, die vor den Ereignissen des Films stattgefunden hat.

Prolog-Montage mit Voiceover

Manchmal ist dieser Prolog eine Montage mit Voiceover-Erzählung, die dem Publikum eine Menge an Informationen auf einmal liefert. So ziemlich jeder Drehbuch-Guru auf der Welt wird Ihnen raten, Voiceover zu vermeiden wie die Pest, aber es ist überraschend häufig, sogar in von der Kritik gefeierten Filmen, und kann effektiv sein, wenn es mit Bedacht eingesetzt wird.

Prolog-Montagen mit Voiceover sind vor allem in Fantasy-Filmen und Epen üblich, weil es dort so viel komplizierte Geschichte und Weltenbildung gibt, die das Publikum verstehen muss, aber sie sind auch in Filmen üblich, die von der einzigartigen Stimme und der Sichtweise der Hauptfigur abhängen, vor allem, wenn sich die Hauptfigur als etwas unzuverlässiger Erzähler erweist.

Raising Arizona (1987)

Mein Lieblingsbeispiel für diese Art ist die Eröffnungsszene von Raising Arizona (1987). Diese Montage ist aufgrund des einzigartigen Stils und der Stimme des Charakters unterhaltsam. Diese Eröffnungsszene macht sehr deutlich, welche Art von Film man gleich sehen wird, und sie fügt dem Film wirklich etwas hinzu, anstatt sich nur wie eine faule Art und Weise anzufühlen, dem Publikum einen Haufen Informationen aufzudrängen.

Interessante Randbemerkung: Ready Player One (2018) beginnt mit einer 10-minütigen Prolog-Montage mit Voiceover, aber ich habe vor ein paar Jahren einen früheren Entwurf des Drehbuchs gelesen, der stattdessen mit einer Szene mit einem einleitenden Ereignis begann, was mir so viel besser gefiel.

Beispiele: Raising Arizona (1987), Legends of the Fall (1994), Clueless (1995), A Simple Plan (1998), American Beauty (1999), The Lord of the Rings: Die Gefährten des Rings (2001), Amélie (2001), Love Actually (2003), The World’s End (2013), Arrival (2016), Love, Simon (2018), Ready Player One (2018)

Prologszenen ohne Voiceover

Prologues haben nicht immer Voiceover. Manchmal handelt es sich stattdessen um eine Rückblende, die einen entscheidenden Moment in der Vergangenheit (in der Regel die Kindheit) eines wichtigen Charakters enthüllt.

Rückblenden sind wie Voiceover ein gefährliches Terrain – es fehlt ihnen fast immer an Spannung, weil die Ereignisse der Szene bereits stattgefunden haben, so dass der Ausgang nicht unmittelbar spürbar ist. Außerdem kommen in ihnen oft Figuren vor, die im Rest der Geschichte nicht mehr vorkommen (oder von anderen, jüngeren Schauspielern gespielt werden), was für das Publikum verwirrend sein kann.

Aber wenn sie gut gemacht sind, können diese Arten von Prologen sehr effektiv sein, um uns über wichtige Hintergrundinformationen zu informieren und Sympathie (oder deren Fehlen) für eine Figur aufzubauen.

Inglourious Basterds (2009)

Mein Lieblingsbeispiel für diese Art ist die Eröffnungsszene von Inglourious Basterds (2009). Es ist eine unglaublich lange Szene, aber sie ist von Anfang bis Ende extrem spannend. Diese Szene führt den Antagonisten ein, legt die Motivation einer Hauptfigur dar, versetzt den Zuschauer in die Welt und den Ton des Films und setzt gekonnt Subtext ein, um Spannung und Interesse zu erzeugen.

Beispiele: Der Pate Teil II (1974), The Sixth Sense (1999), Capote (2005), Zodiac (2007), Inglourious Basterds (2009), Star Trek (2009), Guardians of the Galaxy (2014), Lion (2016), Manchester By The Sea (2016), Rogue One: A Star Wars Story (2016), Guardians of the Galaxy Vol. 2 (2017) und Black Panther (2018)

Auslösendes Ereignis

In vielen Filmen gibt es etwa zehn Minuten oder so des Setups vor dem auslösenden Ereignis des Films (das erste Ereignis, das eine tiefgreifende Veränderung im Leben des Protagonisten auslöst), aber in einigen Filmen (mehr als ein Viertel der Filme, die ich gesehen habe), geschieht das auslösende Ereignis praktisch auf der ersten Seite.

Diese Art von Eröffnungsszene führt das auslösende Ereignis ein, das die Geschichte in Gang setzt. Das kann eine Hochzeit, eine Beerdigung oder eine Apokalypse sein. Vielleicht wird die Hauptfigur aus dem Gefängnis entlassen, sie tritt einen neuen Job an, sie zieht in ein neues Haus oder sie erfährt von einer Gelegenheit. Vielleicht gewinnen sie im Lotto oder lernen die Liebe ihres Lebens kennen. Ich war überrascht, wie oft diese Ereignisse in der allerersten Szene eines Films auftauchen, ohne dass es eine Vorgeschichte gibt.

There Will Be Blood (2007)

Mein Lieblingsbeispiel für diesen Typus ist die Eröffnungsszene von There Will Be Blood (2007). In der ersten Minute des Films entdeckt die Hauptfigur Silber in seiner Mine, was zu allem anderen führt, was im Film passiert, aber es gibt ein paar besondere Dinge an dieser Szene:

  • Sie baut die Handlung des Films sehr effizient auf und alles wird visuell kommuniziert, nicht durch Dialoge.
  • Sie ist unglaublich spannend. Es gibt eine Stelle in der Szene, in der eine Dynamitstange buchstäblich bis zur Explosion herunterzählt. Es gibt auch Elemente des Geheimnisses und der Überraschung.
  • Obwohl es fast keinen Dialog gibt (an einer Stelle sagt er ein paar Worte laut zu sich selbst), versteht man am Ende dieser Szene genau, wer dieser Charakter ist, einschließlich seiner Stärken und Schwächen, die den Rest der Geschichte bestimmen werden.

Beispiele: Zurück in die Zukunft (1985), Aliens (1986), Stirb langsam (1988), Der Club der toten Dichter (1989), Das Schweigen der Lämmer (1991), Se7en (1995), Ocean’s Eleven (2001), Training Day (2001), There Will Be Blood (2007), The Gift (2015), Moonlight (2016), The Witch (2016), Nerve (2016), Hello, My Name is Doris (2016), The Big Sick (2017), The Florida Project (2017), Call Me By Your Name (2017)

A Day in the Life

Eine „Day in the Life“-Eröffnungsszene ist eine Szene, in der die Hauptfigur vorgestellt wird – in der Regel mit einer Schlüsselstärke und einer Schlüsselschuld – und zeigt, wie ihr Leben aussieht, bevor es durch die Ereignisse des Films verändert wird.

Wie bei Prologen gibt es innerhalb dieser Kategorie zwei Untertypen.

Aufregender Tag im Leben

Einige Filme beginnen mit der Hauptfigur oder den Hauptfiguren in media res in einer aufregenden Situation, die typisch für sie ist, bevor die Ereignisse des Films ihr Leben für immer verändern. Aber wenn ich sage, es ist ein „typischer Tag“, dann meine ich nicht eine Szene, in der sie vor dem Fernseher Müsli essen. Es geht um einen besonders aufregenden oder dramatischen Moment in ihrem Alltag. Manchmal stellt sich heraus, dass diese Szene mit der Haupthandlung des Films zusammenhängt, aber oft hat sie keinen Bezug zur Haupthandlung oder nur eine tangentiale Verbindung.

Diese Art von Szenen sieht man am häufigsten, wenn die Hauptfigur einen aufregenden Job hat: ein Spion, ein Polizist, ein Attentäter, ein Bankräuber, usw., aber nicht immer.

Indiana Jones und die Jäger des verlorenen Schatzes (1981)

Mein Lieblingsbeispiel für diese Art von Szenen ist die Eröffnungsszene von Indiana Jones und die Jäger des verlorenen Schatzes (1981). Ungeachtet der beleidigenden Stereotypen über die Eingeborenen (huch) ist dies eine der großartigsten Eröffnungsszenen in der Geschichte des Kinos. Sie gibt den Ton und das Genre des Films wunderbar vor, verrät so ziemlich alles, was man über die Hauptfigur wissen muss, und ist sehr spannend und temporeich. Man weiß, dass Indy die Tortur überlebt, weil es eine ganze Filmreihe über ihn gibt, aber trotzdem ist man gespannt, ob er es lebendig übersteht.

Beispiele: The Wizard of Oz (1939), Indiana Jones and the Raiders of the Lost Ark (1981), Men in Black (1997), Out of Sight (1998), Bad Boys II (2003), Spectre (2015) (eigentlich so ziemlich jeder Bond-Film), Green Room (2016), Baby Driver (2017), Lady Bird (2017), Logan (2017)

Ein ereignisloser Tag im Leben

Ein anderes Mal beginnt ein Film mit einer „Tag im Leben“-Szene, die gar nicht so dramatisch oder spannend ist. Es ist schwierig, eine ereignislose Szene wie diese so zu gestalten, dass sie interessant und für den Film geeignet ist. Viele Autoren beginnen ihre Geschichten standardmäßig auf diese Weise (ein Drehbuch, das damit beginnt, dass eine Figur im Bett aufwacht, ist klischeehaft übertrieben), aber es ist besser, wenn es mit Absicht gewählt wird.

Der Schlüssel zum Erfolg dieser Szenen liegt darin, etwas Neues und Ungewöhnliches in Bezug auf den Schauplatz, die Situation, den Dialog oder die Figuren zu finden. Die Szene führt normalerweise eine oder mehrere Hauptfiguren auf eine Weise ein, die sie sympathisch oder zumindest faszinierend macht. Szenen wie diese bestimmen normalerweise (aber nicht immer) den Ton und das Genre des Films und veranschaulichen das Gesamtthema des Films.

The Killing of a Sacred Deer (2017)

Ich habe keine der Eröffnungsszenen, die ich in dieser Kategorie geprüft habe, besonders geliebt, aber wenn ich eine auswählen müsste, wäre es The Killing of a Sacred Deer (2017). Das ist fast ein Betrug, denn diese Szene beweist, dass der Unterschied zwischen „spannendem Slice of Life“ und „ereignislosem Slice of Life“ verschwommen sein kann. Der Film beginnt mit einer Nahaufnahme einer echten Operation am offenen Herzen, die für das Publikum schockierend ist und bei der es für den Patienten um Leben und Tod geht, die aber im Film nicht als spannend dargestellt wird. Im Kontext dieser Geschichte ist es für die Hauptfigur nur ein Tag im Büro. Wir erfahren nicht einmal, ob die Operation erfolgreich war, und die Szene endet mit einer absichtlich banalen Unterhaltung des Chirurgen mit dem Anästhesisten über Uhrenarmbänder. In der Szene geht es nicht um den Einsatz, sondern um das Thema und den Charakter und die Erwartung an den Ton des Films.

Beispiele: Vom Winde verweht (1939), Carrie (1976), Blau ist die wärmste Farbe (2013), Fences (2016), Logan Lucky (2017), Landline (2017), A Ghost Story (2017), The Killing of a Sacred Deer (2017)

Cold Opens

Wenn wir an Cold Open denken, denken wir meist an Fernsehen. Ein Cold Open im Fernsehen, manchmal auch Teaser genannt, ist der Teil einer Episode, der vor dem Vorspann gezeigt wird. (Nicht alle Episoden haben einen Vorspann; einige beginnen mit dem ersten Akt.)

Vor allem in Horrorfilmen, Krimis und Actionfilmen besteht der Hauptzweck eines Vorspanns darin, die Aufmerksamkeit des Publikums zu wecken und Genreelemente zu etablieren, bevor mit dem ersten Akt begonnen wird, der ein „Vorher-Bild“ des Lebens der Figuren und somit der am wenigsten spannende Teil des Films ist. Aber auch außerhalb dieser Genres kann ein Cold Open die Stärke einer mächtigen antagonistischen Kraft demonstrieren, wie es in Spotlight (2015) der Fall ist.

Ein Cold Open im Film involviert fast nie die Hauptfiguren des Films; diese Szene ist erzählerisch von den Ereignissen der Geschichte getrennt, obwohl sie einen wichtigen Kontext liefert.

The Lobster (2016)

Mein Lieblingsbeispiel für diese Art ist die Eröffnungsszene von The Lobster (2016). Sie ist einzigartig, sie ist überraschend, sie gibt den Ton des Films vor, und sie erzeugt eine Frage im Kopf des Publikums, die später beantwortet wird.

Beispiele: Der weiße Hai (1975), The Last Boy Scout (1991), Jurassic Park (1993), Scream (1996), The Fast and the Furious (2001), Spotlight (2015), The Lobster (2016), Get Out (2016)

Flash Forward

Eine „Flash Forward“-Eröffnung ist, wenn ein Film mit einer Szene in der Gegenwart (oder zumindest der „Gegenwart“ in der Zeitlinie des Films) beginnt und der Rest des Films (oder der größte Teil davon) in der Vergangenheit stattfindet, die zu diesem Eröffnungsmoment führt.

Dies ist in Fernsehfilmen zum Klischee geworden, obwohl es ein Gimmick ist, das mir persönlich gefällt. Am berühmtesten wurde es im Fernsehen wohl durch den Pilotfilm von Breaking Bad (2008). Diese Flash-Forward-Eröffnungen haben oft eine Voiceover-Erzählung, aber nicht immer.

The Prestige (2006)

Mein Lieblingsbeispiel für diese Art ist die Eröffnungsszene von The Prestige (2006). In dieser Szene wird die Voiceover-Erzählung hervorragend eingesetzt, um das Thema des Films zu etablieren und gleichzeitig das Publikum auf einen spannenden Höhepunkt einzustimmen und einige Rätsel zu präsentieren, die später gelöst werden müssen (z. B. was es mit den ganzen Hüten auf sich hat).

Beispiele: Titanic (1997), Kill Bill: Vol. 1 (2003), The Prestige (2006), Der seltsame Fall des Benjamin Button (2008), Carol (2015), Wonder Woman (2017)

Elemente einer Eröffnungsszene

Es gibt keine feste Länge für eine Eröffnungsszene. Von den Szenen, die ich für diese Analyse gesehen habe, war die kürzeste etwa 30 Sekunden und die längste 19 Minuten lang. Die mittlere Länge lag bei drei Minuten, und 70 % der Szenen waren fünf Minuten oder kürzer.

Fast die Hälfte der von mir beobachteten Szenen war wie ein Kurzfilm aufgebaut, d. h. sie hatten einen Aufbau am Anfang, einen Mittelteil mit steigender Spannung oder Komplikationen und am Ende in der Regel eine Art Wendung, Überraschung oder Umkehrung.

In der ersten Szene wird in der Regel mindestens eine Hauptfigur eingeführt, aber manchmal kommen die Figuren in der ersten Szene im restlichen Film überhaupt nicht vor.

Gebräuchliche Elemente in den meisten Eröffnungsszenen (dies ist keine Checkliste – nicht jede Eröffnungsszene muss alle diese Elemente aufweisen):

  1. Die Hauptfigur wird auf eine Art und Weise vorgestellt, die ihre wichtigsten Fähigkeiten, Eigenschaften, Macken und Schwächen effizient und visuell vermittelt.
    1. Dies ist sehr häufig bei Szenen, in denen die Hauptfigur im Mittelpunkt steht. Am Ende der ersten Szene kann das Publikum oft das Gute und das Schlechte dieser Figur sehen und bekommt bereits eine Ahnung davon, wie sie die Dinge vermasseln wird und warum sie sich so dringend ändern muss (was sie je nach Art der Geschichte, die du erzählst, erfolgreich tun kann oder auch nicht).
    2. Führt die Welt ein.

      Wo sind wir? Wann sind wir? Wenn es sich um eine historische Geschichte handelt, werden in der ersten Szene Hinweise auf die Zeitspanne eingeführt. Wenn die Welt eine Geografie hat, die der Zuschauer verstehen muss (selbst wenn es sich nur um die Gänge einer High School handelt), wird die erste Szene den Zuschauer manchmal absichtlich an dieser Karte orientieren. Wenn es in der Welt Magie oder seltsame Regeln oder Bräuche gibt, werden wir diese wahrscheinlich auch gleich sehen.

    3. Bietet dem Publikum ein „Vorher“-Bild, um es später mit dem „Nachher“ zu vergleichen. Einige Drehbuch-Gurus werden Ihnen sagen, dass dies erforderlich ist, aber das ist es nicht. Es ist jedoch üblich. Sehr oft spiegeln sich die erste und die letzte Szene eines Films in irgendeiner Weise, um zu verdeutlichen, wie sich der Protagonist verändert hat. Wenn du also weißt, wie dein Film enden wird, kann dir das eine Idee geben, wie er beginnen sollte.
    4. Präsentiere einen „Rette die Katze“-Moment für den Protagonisten, auch wenn er sehr subtil ist.

      Du bist wahrscheinlich mit dem Konzept der „Rettung der Katze“ vertraut, das von dem verstorbenen Blake Snyder stammt. Er bezieht sich auf einen Moment in vielen Filmen, in dem der Protagonist etwas Freundliches oder Selbstloses tut (z. B. eine Katze retten), um dem Publikum zu zeigen, dass er ein guter Mensch ist, auch wenn er sich sonst wie ein Idiot verhält. Etwa 27 % der Eröffnungsszenen, die ich gesehen habe, hatten einen solchen Moment, auch wenn er sehr subtil war.

      In der Eröffnungsszene von Baby Driver zum Beispiel ist Baby buchstäblich ein Fluchtwagenfahrer für einen Bankraub – kein nobler Beruf -, aber es gibt einen kurzen Moment, in dem er seine Sonnenbrille senkt, um einen besseren Blick durch das Fenster auf den Raub zu werfen, weil Griff mit seiner Waffe herumfuchtelt und man aus Babys Gesichtsausdruck den Eindruck gewinnt, dass er sich Sorgen um die Geiseln machen könnte. Es ist schnell und subtil, aber es reicht aus.

    5. Angespannt und spannend.

      Über die Hälfte der Eröffnungsszenen, die ich gesehen habe (sogar einige ruhige Indie-Dramen), waren angespannt, spannend oder dramatisch, aber was wirklich überraschend ist, ist, dass fast die Hälfte der Szenen nicht angespannt und spannend waren! Eine Szene, die mit einem Konflikt oder einer Gefahr beginnt, kann die Leute schnell in die Geschichte hineinziehen, aber es ist nicht der richtige Anfang für jeden Film.

    6. Eine Überraschung oder eine große Umkehrung.

      Es ist üblich, dass Eröffnungsszenen mindestens eine überraschende Enthüllung oder eine unerwartete Umkehrung des Schicksals enthalten – eine Figur ist nicht das, was sie zu sein scheint, eine Figur scheint zu bekommen, was sie will, aber dann bekommt sie es doch nicht, usw.

    7. Legt den Ton und das Genre des Films fest Fast alle Eröffnungsszenen, die ich gesehen habe, legen den Ton und das Genre des Films fest, aber gelegentlich gibt es auch eine, die das nicht tut. Zwei Beispiele, die mir spontan einfallen, sind Guardians of the Galaxy (2014) und Logan Lucky (2017), die beide Eröffnungsszenen haben, die nicht wirklich das Genre und den Ton des restlichen Films widerspiegeln.

    Klischee-Arten, ein Drehbuch zu beginnen

    • Hauptfigur wacht im Bett auf
    • Hauptfigur frühstückt mit ihrer Familie und/oder bringt die Kinder zur Schule
    • Hauptfigur joggt
    • Ein Fake-.(wir denken, dass etwas Ernstes passiert, aber es stellt sich heraus, dass es ein Traum oder eine Übung oder eine Szene aus einem Film-im-Film ist)
    • Ein Therapietermin, ein Vorstellungsgespräch, eine Anhörung auf Bewährung oder eine ähnliche Art und Weise, einen Haufen Exposition durch einen Dialog zu vermitteln
    • Eine Nachrichtensendung, eine PowerPoint-Präsentation im Büro, eine Nachbesprechung oder eine ähnliche Art und Weise, einen Haufen Exposition durch eine Präsentation zu vermitteln
    • Rückblende in die Kindheit
    • Voiceover-Erzählung

    Es ist nicht so, dass irgendetwas davon von vornherein schlecht wäre und nie gemacht werden sollte. Es gibt großartige Filme, die jedes dieser Elemente verwenden. Achte nur darauf, dass es wirklich deiner Geschichte dient und nicht nur die erste Klischee-Idee ist, die dir in den Sinn kommt.

    Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

    Zum Beispiel kann ein „Hauptdarsteller wacht im Bett auf“-Einstieg eine gute Wahl für einen Film sein, in dem es um Schlaf oder Aufwachen oder monotone Routinen geht. Das Wichtigste ist, sie mit Bedacht zu wählen.

    Ein weiteres Beispiel: Neun von zehn Drehbuch-Gurus werden Ihnen sagen, dass Sie ein Drehbuch niemals mit einem Off-Kommentar beginnen sollten, weil das faul ist, aber in kommerziell erfolgreichen und von der Kritik gefeierten Filmen ist das erstaunlich häufig der Fall. In mehr als 20 % der Filme, die ich gesehen habe, gab es in der ersten Szene einen Voiceover-Kommentar. Das ist mehr als 1 von 5 Filmen!

    Ich empfehle sie trotzdem nicht, weil so viele Leser reflexartig negativ darauf reagieren und sie meistens wirklich aus Faulheit verwendet wird. Finden Sie einen kreativeren Weg, um Ihre Exposition zu vermitteln (oder fragen Sie sich, ob sie überhaupt vermittelt werden muss), und lassen Sie sich vom Studio überzeugen, später einen Off-Kommentar hinzuzufügen, nachdem sie Ihnen viel Geld gegeben haben.

    Was mit diesen Informationen zu tun ist

    Wenn Sie mit der ersten Szene eines Drehbuchs, das Sie schreiben, zu kämpfen haben, gehen Sie jede der oben genannten Arten von Eröffnungsszenen durch und überlegen Sie sich eine für Ihr Drehbuch, die in diese Kategorie passen würde. Listen Sie zunächst die klischeehaftesten Ideen auf, aber versuchen Sie dann, sich selbst dazu zu bringen, sich noch ein paar mehr überraschende Ideen einfallen zu lassen. Vielleicht fällt Ihnen etwas Interessantes ein, an das Sie sonst nicht gedacht hätten.

    Denken Sie auch daran, dass Sie jederzeit zurückgehen und später eine neue Anfangsszene schreiben können. Es kann einfacher sein, zu erkennen, wie die Eröffnungsszene aussehen muss, nachdem Sie einen ersten Entwurf des gesamten Drehbuchs fertiggestellt haben.

    Wenn Ihre erste Szene in keine der oben genannten Kategorien passt, aber für Sie und Ihre Leser funktioniert, ist das großartig. Von den 80 Filmen, die ich für diese Analyse angesehen habe, habe ich fünf Eröffnungsszenen gefunden, die in keine der oben genannten Kategorien passen. Diese Filme waren Karate Kid (1984), Magnolien aus Stahl (1989), Schindlers Liste (1993), Election (1999) und Die Truman Show (1998), und drei dieser Filme hatten eine Bewertung von über 90 % bei Rotten Tomatoes. Es mag zwar selten sein, aber es ist definitiv möglich, eine Eröffnungsszene zu schreiben, die in keine der oben genannten Kategorien passt, und trotzdem ein tolles Drehbuch zu haben.

    Fußnoten

    1. Man könnte argumentieren, dass ein Takt innerhalb einer Szene eine noch kleinere Einheit ist, aber das ist ein Thema für einen anderen Beitrag.

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